Знаковые выставки в Австралии, как правило, проходят в столице – в Канберре. Эта выставка, включающая шедевры из Национальной галереи Лондона, как путешествие в историю создания картин в Западной Европе с тринадцатого века до начала двадцатого. К тому же, она представляет собой самую большую группу работ, когда-либо путешествовавших за пределы Великобритании за 192-летнюю историю Национальной галереи. Для австралийцев, это культурное паломничество в столицу, сродни путешествию за пределы Австралии, во время закрытых границ.
Осенние выходные в Канберре
Выставка – Botticelli to Van Gogh
Это событие планировалось четыре года назад. Изысканные картины искусно освещены новым освещением, установленным во временном выставочном пространстве Галереи в рамках реконструкции стоимостью 5 миллионов долларов.
Выставка проходит В Национальной галерее в Канберре с 5 марта по 14 июня 2021 г.
Выставка демонстрирует 61 шедевр истории западноевропейского искусства, написанный 56 самыми известными художниками за последние 450 лет. Все картины из Национальной галереи Лондона. Семь залов отражают не только сильные стороны Национальной галереи, коллекции Лондона, но и то, как это культовое британское учреждение построило свою всемирно известную коллекцию картин.
Ядро Национальной галереи, коллекция Лондона, было сформировано в 1824 году, когда британский парламент согласился приобрести 38 картин старых мастеров из поместья банкира и любителя искусства Джона Юлиуса Ангерштейна. “Морской порт” Клода и “Холмистой речной пейзаж и наездник разговаривающий с в пастушкой” Альберта Кейпа, которые представлены в зале под названием «Пейзажная живопись», как раз из этой основополагающей группы картин.
Как уже сказано выше, идея выставки довольно амбициозна – рассказать зрителям о семи определяющих периодах истории европейского искусства в одной галерее.
Первый зал представляет собой витрину живописи раннего итальянского Возрождения, где видны инновации и метаморфозы той эпохи.
История западноевропейского искусства – это, по сути, живописная история власти. Многие работы были заказаны церковью или богатыми благотворителями как способ установить доминирование, заявить о престиже, а также продемонстрировать и определить интеллектуальный «вкус». Художники, как правило, черпали свои стилистические реплики из античности, времени, идеологически укоренившегося как вершина западной цивилизации. Но даже несмотря на то, что художники играют определенную роль в поддержании статус-кво, выставка свидетельствует об их способности создавать образы, которые выходят за рамки особенностей их покровителя, передавая видение, которое по-прежнему очаровывает современную аудиторию.
Далее следует комната голландских картин. Она включает портреты, натюрморты и пейзажи, а также одно из самых узнаваемых произведений западноевропейского искусства – «Автопортрет Рембрандта в возрасте 34 лет».
Пейзаж, натюрморт и домашние сцены – это одни из новых жанров живописи, пионерами которых стали художники, работавшие в Голландской республике в семнадцатом веке. Раньше эти предметы появлялись только как второстепенные или подчиненнве элементы в религиозных и исторических картинах или портретах. Редко, если вообще когда-либо, они были возвышены и независимо исследованы так, как это делали голландские художники семнадцатого века.
Эти новые темы процветали в городских центрах, таких как Лейден (Leiden), Хаарлем (Haarlem) и Амстердам (Amsterdam), во многом благодаря появлению среднего класса. Богатые купеческие семьи стремились к изображению самих себя, своего окружения и своего недавно обретенного социального статуса. Художники начали специализироваться на предметах, которые соответствовали вкусам их покровителей и домашнему размеру их городских домов. Спрос был таким, что художники начали работать на открытом рынке, создавая картины, не зная заранее, кто их купит. Это был принципиально новый подход, который по сей день продолжает информировать о том, как создается и потребляется искусство.
Натюрморт с омаром – 1650–1659 холст, масло.
Автопортрет в 34 года 1640 холст, масло
Это один из самых известных автопортретов Рембрандта. Это больше, чем просто запись о внешности художника в 34 года, это картина, посвященная его взгляду на историю, общественному имиджу и самооценке. На этой картине Рембрандт одет в одежду богатого джентльмена шестнадцатого века. Поза, которую он принял, основана на исторических автопортретах, написанных художниками эпохи Возрождения Альбрехтом Дюрером, Тицианом и Рафаэлем.
Йоханнес Вермеер (Johannes Vermeer), Нидерланды 1632–1675 – «Молодая женщина, сидящая у клавесина» – 1670–1672
Это одна из 34 известных картин Вермеера. Почти неизвестный до девятнадцатого века, Вермеер прославился своими небольшими строгими картинами, изображающими интерьеры среднего класса, и своим мастерским воспроизведением естественного света. Однако эта картина необычна тем, что представляет собой вечернюю сцену.
Далее следует зал британской портретной живописи. Именно благодаря этим заказанным работам британская аристократия создала имидж престижа и статуса, который они все еще удерживают в глазах многих по сей день.
ВАН ДЕЙК И БРИТАНСКИЙ ПОРТРЕТ
Когда британские художники в восемнадцатом веке начали развивать национальную школу живописи – в 1768 году была основана Королевская академия художеств – многие обратили внимание на мощные образы, созданные Ван Дейком веком ранее. Включая атрибуты сословного статуса и богатства – дорогую одежду, роскошный интерьер, виды на сельские поместья, породистых собак и породистых лошадей – художники одновременно льстили и усиливали притязания своих покровителей. Создавая устойчивый образ английского аристократического характера, эти портреты отражали уверенность и богатство нации на пике ее политической, культурной и колониальной мощи.
Портрет Ричарда Миллеса – 1759 г., холст, масло
Семьи Милбанке и Мельбурн c 1769, холст, масло
Эта картина почти наверняка была заказана в ознаменование союза семей Милбэнк и Мельбурн через брак 13 апреля 1769 года. Замужняя женщина – Элизабет Милбэнк, а ее муж – Пенистон Лэмб, 1-й лорд Мельбурн, восседающий на каштановой лошади справа. Рядом с ней отец Элизабет, сэр Ральф Милбэнк. Фигура, стоящая посередине со скрещенными ногами, скорее всего, старший брат Элизабет, Джон Милбэнк. Стаббс выставил картину как «Разговор» (сокращенная версия «пьесы для разговора») в Обществе художников в 1770 году, и это был единственный случай, когда он использовал это название для картины.
Эти две семьи не были равны ни по статусу, ни по богатству. Несмотря на то, что Милбанки были авторитетной и уважаемой семьей графства, они были менее богатыми, чем Мельбурны. Поскольку Пенистон Лэмб унаследовал значительное состояние, Элизабет вышла замуж за деньги. Ей было всего 16 лет, когда она вышла замуж за Пенистон, которому было 24. Их первый ребенок родился чуть более года спустя, 8 июня 1770 года, поэтому Элизабет было 17 лет и она была беременна, когда она позировала портрету. Она сидит в карете «фаэтон», которая была центральным элементом предыдущего портрета Стаббса, также находящегося в коллекции Национальной галереи. Размещение ее в карете позволило Стаббсу включить ее серого пони, который контрастирует с впечатляющей каштановой лошадью арабского происхождения, на которой сидит лорд Мельбурн. Как видно на его большой картине Whistlejacket, эта порода отличается длинной шеей, вогнутым профилем головы и тонкими ушами. Пенистон Лэмб ранее поручил Льву атаковать лошадь (1769, Тейт Британия) из Стаббса. Он знал, что художник глубоко разбирался в анатомии животных, и, выбрав его для написания этого памятного портрета, был уверен, что сможет нарисовать лошадь такой родословной.
Стаббс, вероятно, нарисовал бы каждую фигуру индивидуально, а не заставил бы их позировать как группу, что может объяснить отсутствие взаимодействия между ними. Однако их почти симметричное расположение в одной горизонтальной полосе неглубокого пространства, которое перекликается со структурой классического фриза, и их равный масштаб помогает их объединить. Широкое распространение ветвей большого дуба также укрепляет связь между двумя семьями. Взгляд сэра Ральфа на мужа своей дочери через изображение, дополненный взглядом охотничьей собаки вверх, еще больше объединяет группу. Скалистый выступ справа был ландшафтной особенностью, которую часто использовал Стаббс, но здесь он может изображать Кресвелл-Крэгс на границе Ноттингемшира и Дербишира, намекая на связи лорда Мельбурна с Дербиширом.
Из четырех фигур на портрете именно Элизабет добилась славы, даже известности, благодаря своему социальному восхождению. Очень амбициозная женщина, она стремилась продвигать своих детей. Ее самый известный сын, Уильям Лэмб (1779–1848), 2-й лорд Мельбурн, стал премьер-министром и советником молодой королевы Виктории. Хорошо известная фигура в модном обществе, леди Мельбурн стала близким другом поэта лорда Байрона после того, как он женился на ее племяннице Аннабелле Милбэнк в 1812 году.
ГРАНД – ТУР
В восемнадцатом веке Гранд-тур был важным ритуалом для богатых молодых людей, которые проводили от нескольких месяцев до нескольких лет, путешествуя по континентальной Европе. Гранд-тур предоставил культурное и эстетическое образование на основе личного опыта художественных достижений и классических архитектурных руин Европы. Италия, являвшаяся центром античности и эпохи Возрождения, была центром почти всех Гранд-туров.
У многих туристов было желание не просто полюбоваться произведениями искусства, но и увезти их домой. Среди самых популярных сувениров были нарисованные vedute, или виды Венеции и Рима. Взгляды Каналетто на Венецию рассматривались как важное напоминание о любом большом успехе художника, который обращался со вкусом к изображениям, вызывающим классическое прошлое. Гранд-тур оказал глубокое влияние на британскую культуру, прочно закрепив Италию в европейском воображении как колыбель искусства и культуры. Его наследие ощущалось на протяжении всего девятнадцатого века, когда начала появляться современная дисциплина истории искусства и были основаны такие учреждения, как Лондонская Национальная галерея.
В следующем зале представлена их коллекция испанского искусства. Описанная как «приобретенный вкус», и устроители подчеркивают влияние испанского искусства на соседних французских художников импрессионистской и постимпрессионистской эпох.
Святая Маргарита Антиохийская – 1630–1634, холст, масло.
Эль Греко использовал театральные жесты и яркие цвета, чтобы выразить хаос и разрушение Храма Очищения – момента, когда Христос изгнал торговцев, продающих животных для жертвоприношений, разъяренных тем, что храм использовался для торговли. Гнев Христа проявляется через его тело, рука поднята, готовая нанести удар; он похож на пружину, готовую развернуться.
Эль Греко рисовал эту тему как минимум четыре раза, но это одна из самых драматичных версий. В шестнадцатом веке этот эпизод рассматривался как параллель с очищением католической церкви посредством Контрреформации.
ПЕЙЗАЖНАЯ ЖИВОПИСЬ
Далее следуют пейзажи, на которых представлены величественные, великолепные картины, мастерски изображающие виды, охватывающие тематику от римских гаваней до северной европейской сельской местности.
Пейзажная живопись, зародившаяся в Италии и Нидерландах, внесла большой вклад в появление национальных школ европейской живописи семнадцатого века. Живописцы французского происхождения Николя Пуссен и Клод, которые работали в Риме, опирались на литературу и образы античности, чтобы создавать воображаемые пейзажи, богатые поэзией и ностальгией по классическому прошлому. Голландский художник Якоб ван Рейсдал, которым особенно восхищались в Британии, писал пейзажи, которые выглядели правдоподобно, но на самом деле были идеализированными видами его родины.
Британская школа, возникшая в XVIII веке, впитала в себя влияние как натуралистических голландских, так и воображаемых итальянских пейзажей. Отправляясь на пленэр [на свежем воздухе] делать зарисовки с натуры, художники создавали живописные образы английской сельской местности. Влияние пейзажной живописи привело к развитию парков и садов в Англии, поскольку художники, туристы и землевладельцы стали судить о самой природе как о живописном месте, подлежащем культивированию и совершенствованию.
Последний зал «Франция и современное искусство» включает одну из самых известных и почитаемых работ выставки – «Подсолнухи» Ван Гога 1888 года. «Подсолнухи» определяют тот момент, когда искусство отошло от религиозной иконографии и определения статуса, подчеркивают устроители выставки.
В десятилетие, последовавшее за Французской революцией (1789–1799), политические, социальные, научные и промышленные изменения стали постоянным явлением не только во Франции, но и по всей Европе. Эти масштабные изменения также повлияли на стиль и тематику искусства. Портативные мольберты и коммерческие краски облегчили перемещение художников за пределы их студий, равно как и постоянно расширяющаяся сеть общественного транспорта, который доставлял художников из Парижа в сельскую местность и дальше. Наряду с осознанием теории цвета и оптики художники начали сосредотачиваться на изменении естественного света, что привело к созданию более светлых палитр и более ярких тонов. Необходимость быстрого завершения работ привела к упрощению композиций и большему количеству импрессионистических стилей.
ФРАНЦИЯ И СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО
«Подсолнухи» 1888 года Ван Гога (Sunflowers – Vincent van Gogh) – одно из самых популярных и широко признанных произведений современного искусства в мире. Эту картину одалживали за пределы британской столицы только дважды с момента ее приобретения Национальной галереей в Лондона – в 1924 году, и теперь, чтоб зрители Австралии смогли увидеть ее.
Винсент Ван Гог (Vincent van Gogh) был художником в течение десяти лет, но проработал только пять лет как художник. Никто, и в первую очередь художник, не мог предвидеть того огромного влияния, которое его жизнь и искусство окажут на то, чтобы сделать его одним из самых известных художников современности.
На протяжении всей жизни Ван Гог эмоционально и финансово поддерживал его брат Тео, торговец произведениями искусства из Парижа. Сотни писем, которыми они обменивались, позволяют от первого лица увидеть, как художник пытается поддержать себя в финансовом отношении, поддерживать отношения и развивать свой стиль и технику живописи.
Ван Гог написал эту вазу с подсолнухами в Арли, на юге Франции, в августе 1888 года. Это была одна из четырех картин, которые он написал как часть декоративного ансамбля, предназначенного для размещения в спальне своего друга, художника Поля Гогена, прибывшего в Арле 23 октября того же года. Эта картина была четвертой в группе и только одной из двух, которые Ван Гог считал достойными подписи и считал ее достижением в художественном творчестве.
Ван Гог пригласил Гогена погостить, с надеждой, что вместе они создадут колонию художников и «студию юга» – коммуну художников-единомышленников. Коммунальная жизнь создаст благоприятную и стимулирующую среду для жизни, работы и разговоров об искусстве.
Эта картина была создана, чтобы произвести впечатление на Гогена, который восхищался ранним натюрмортом с подсолнухами, который Ван Гог написал, когда жил в Париже. Хотя это и должно было быть декоративным, Ван Гог использовал подсолнухи для развития своего использования насыщенного цвета и стиля. Увлеченный принципами комплементарных и диссонирующих цветов, Ван Гог остро ощущал, как и где его картины были видны и выставлены. Первоначально изобразив желтые подсолнухи, висящие на белых стенах спальни, он позже передумал и увидел, что они вместо этого превратились в конфликтующие подвески в триптихе, содержащем то, что он назвал своим «ярким» портретом Августина Рулена, в котором преобладают различные произведения. оттенки зеленого и красного.
Важность подсолнечника не упустил и Гоген, который во время своего краткого пребывания в Арли написал портрет Ван Гога с картиной «Подсолнечник». Напряжение от присутствия Гогена в качестве гостя оказалось слишком большим и это привело к срыву, в результате которого Ван Гог позорно отрезал себе левое ухо и был госпитализирован – два художника остались друзьями. В январе 1889 года Гоген написал письмо Ван Гогу, в котором описал картину своего друга «Подсолнухи на желтом фоне» как «идеальную страницу основного стиля Винсента».
0 Comments